GIOTTO

OPERA: la madonna in trono con il bambino (pala d’Ognissanti)

DATI:  1310 circa 

MATERIALE: tempera su tavola

DIMENSIONE:  325 cm x 204 cm 

COLLOCAZIONE:  Uffizi di Firenze

ANALISI:

il chiaro scuro della sua evidenza evidenzia le forme del suo corpo per renderle più reali.

OPERA: Fuga in Egitto 

DATI :  1303-1305 circa

MA TERIALE:  affresco

DIMENSIONE:  200 × 185 cm

COLLOCAZIONE:  Cappella degli Scrovegni, Padova

ANALISI:

La collina rocciosa incornicia la figura della madonna ponendola in risalto, inoltre le linee delle rocce spiegano indirettamente verso destra il percorso dei personaggi

OPERA:  Omaggio dell’uomo semplice

DATI :  1290-95 circa

MA TERIALE: affresco
D IME NSIO NE:  230 × 270 centimetri

COLLOCAZIONE: Basilica superiore di Assisi

ANALISI:  Questo episodio appartiene alla serie della  Legenda maggiore  (I, 1) di san Francesco: “Quando un uomo semplice di Assisi è stato celebrato da Francesco e rese omaggio a lui che passava; oltre a ciò – si crede per ammaestramento di Dio – asserì di essere Francesco degno di ogni riverenza, come chi era per tariffa in un tempo prossimo grandi cose, e perciò dover essere onorato da tutti. “

OPERA:  Crocifisso

DATI :  1290-1295 circa 

MA TERIALE:  tempera e oro su tavola

DIMENSIONE:  578 × 406 cm

COLLOCAZIONE:  Santa Maria Novella, Firenze

ANALISI:  è la rappresentazione della figura di Gesù Cristo messo in croce ed è uno dei simboli più diffusi del Cristianesimo, in particolare Cattolico, Anglicano e Ortodosso orientale. Ha significato soteriologico e rappresentato per i cristiani il paradigma ermeneutico (cioè la chiave di lettura) della Bibbia.

OPERA:  Natività di Maria

DATI :  1303-1305 circa 

MA TERIALE: affresco

DIMENSIONE: 200 × 185 cm

COLLOCAZIONE:  Cappella degli Scrovegni, Padova

ANALISI: 

La dedica della cappella alla Vergine della Carità spiega la presenza del ciclo di storie mariane che, sommate a quei genitori Gioacchino e Anna, secondo la più estesa rappresentazione fino ad allora dipinta in Italia. Le  Storie di Maria , dalla nascita allo sposalizio, si ispano alla  Leggenda Aurea  di Jacopo da Varazze.

OPERA:   madonna del magnificat

DATI :   1481

MA TERIALE:  tempera su tavola

DIMENSIONE:   118 x 118 cm

COLLOCAZIONE:   Galleria degli Uffizi, Firenze

ANALISI:  La Vergine, col Bambino sulle ginocchia, è incoronata da due angeli mentre sta scrivendo su un libro le parole del Vangelo di Luca: “ Magnificat anima mea Dominum “

OPERA: nascita di venere

DATI :   1483-1485

MA TERIALE:  tempera su tela 

DIMENSIONE:   172,5 x 278,9 cm

COLLOCAZIONE:   Galleria degli Uffizi, Firenze

ANALISI: 

La  Nascita di Venere  è un dipinto a tempera su tela di lino  (185 cm × 286 cm)  di Sandro Botticelli. Realizzata per la villa medica di Castello, l’opera d’arte è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Opera iconica del Rinascimento italiano, spesso assunta come simbolo della stessa Firenze e della sua arte, inserito forse anticamente collegamento con l’altrettanto celebre  Primavera  sempre di Botticelli,

OPERA:  primavera botticelli 

DATI :   1482

MA TERIALE:  tempera su tavola 

DIMENSIONE:   203 x 314 cm

COLLOCAZIONE:   Galleria degli Uffizi, Firenze

ANALISI:  La  Primavera  è un dipinto realizzato per la villa medica di Castello, l’opera d’arte è conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Si tratta del capolavoro dell’artista, nonché di una delle opere più famose del Rinascimento italiano. Vanto della Galleria, accostava anticamente con l’altrettanto celebre  Nascita di Venere , con cui condivide la provenienza storica, il formato e alcuni riferimenti filosofici

ANALISI:

Cristo morto di Andrea Mantegna:

Andrea Mantegna apre nuovi orizzonti con l’immagine di Cristo morto . Da anche una forte carica espressiva dai visi di Maria e Giovanni Apostolo, cosa fatta raramente nei secoli prima. Usa colori scuri e opachi , con una luce proveniente da destra, non raffigurata dal quadro. Riprende il metodo del realismo , in cui mette particolari per renderlo umano al 100% e un inquadratura prospettica partente dai piedi.

1. colori a olio brillanti. 

2. Prospettiva.

3. espressione di umanità.

4. realismo.

5. volume di chiaroscuro.

6. forte realismo.

PITTURA AD OLIO

La  pittura a olio  è una tecnica pittorica che utilizza pigmenti in polvere mescolati con oli essiccanti.

la materia colorante è data dal pigmento e dall’olio le origini della pittura a olio affondano le radici nell’antichità; ne davano notizia già Marco Vitruvio Pollione, Plinio il Vecchio e Galeno. Teofilo (monaco) la relazione nel  De diversis artibus , un celebre ricettario della prima metà del XII secolo e, alla fine del Trecento. Jan van Eyck fu l’inventore dei colori a olio; è certo, invece, che i pittori fiamminghi del XV secolo perfezionarono questa «nuova e prodigiosa maniera di colore, ovviando ad alcuni inconvenienti.

AFFRESCO 

L’ affresco  e Una pittura eseguita sull’intonaco fresco Di Una parete: Il colore ne E chimicamente Incorporato e conservato per un tempo illimitato.

L’affresco è un’antichissima tecnica pittorica che si realizza dipingendo con pigmenti generalmente di origine minerale stemperati in acqua su intonaco affresco: in questo modo, una volta che nell’intonaco è sia integrato il processo di carbonatazione, il colore non sarà completamente inglobato , acquistando così particolare resistenza all’acqua e al tempo.

Si compone di tre elementi: supporto, intonaco, colore.

RITRATTO D’UOMO

1475-1476

olio su tavola

25,5 x 35

Galleria Nazionale Londra

È noto anche per essere stato il soggetto della quarta serie della banconota da 5.000 lire italiane, stampata dal 1979 al 1983.

L’opera ritrae un uomo sconosciuto, di ceto sociale medio-alto a giudicare dall’abbigliamento. La giubba in pelle lascia intravedere la camicia bianca, mentre in testa l’uomo ha una berretta rossa di panno.

La posa è di tre quarti contrariamente alla tradizione dell’epoca

 Uomo vitruviano

L’ uomo vitruviano  è un disegno a penna e inchiostro su carta di Leonardo da Vinci, conservato nel  Gabinetto dei Disegni e delle Stampe  delle Gallerie dell’Accademia di Venezia. Celeberrima rappresentazione delle proporzioni ideali del corpo umano, cerca di dimostrare come esso possa essere armoniosamente inscritto nelle due figure “perfette” del cerchio, che coinvolge il Cielo, la perfezione divina, e del quadrato, che simboleggia la Terra.

ANALISI

Nel dicembre 2016 l’opera, è stata ceduta al governo di Varsavia per circa 100 milioni di euro, creando non poche polemiche, poiché il valore complessivo sarebbe di 2 miliardi di euro. Conservato per anni nel Museo Czartoryski di Cracovia, dal maggio del 2012 al 7 maggio 2017 il quadro è stato esposto al castello del Wawel, sempre a Cracovia. Il 19 maggio 2017 l’opera viene spostata al  Museo nazionale di Cracovia . L’indicazione con il giovane amante del Moro Cecilia Gallerani si basa sul sottile rimando che rappresenterà, ancora una volta, l’animale: l’ermellino infatti, oltre il simbolo di purezza e di incorruttibilità (annotazione sullo stesso Leonardo che “prima si lascia pigliare dai cacciat ori che vogliono fuggire nell’infangata tana, per non maculare la sua gentilezza “, cioè il mantello bianco), si chiama in greco galè.

autore: Giotto

dati: 1306-1310

tecnica: tempera on panel.

dimensione: 2040 x 3250 mm

ubicazione: uffizi, firenze.

ANALISI

Quando era così noto da lontano scrivere a Dante la famosa menzione nella  Divina Commedia  (Purgatorio, XI, 94-96), in cui si cita, un proposito della transitorietà della fama, come quella di Giotto ha recentemente eclissato il maestro Cimabue. Nonostante i pareri contrastanti sull’autografia, è ritenuta da tutta la critica capolavoro autografo di altissima qualità e di grande importanza nel percorso artistico dell’artista nonché nello sviluppo dell’iconografia della  Maestà .

autore: Duccio. 

dati: 1285-1286.

tecnica: tempera on panel.

dimensione: 2900 x 4500 mm

ubicazione: uffizi, firenze.

ANALISI

Anticamente si trovava nella cappella di questa compagnia, chiamata poi Cappella Bardi, dove alcuni affreschi tardo-duecenteschi, attributi allo stesso Duccio e riscoperti da poco sotto altri trecenteschi, furono probabilmente dipinti a suo coronamento. Nel 1591 venne spostata nella vicina Cappella Rucellai, dalla quale prese il nome correntemente usato.

ANALISI

Durante il primo soggiorno romano di Michelangelo, dal 1496 al 1501, l’artista strinse un rapporto di amicizia e collaborazione col banchiere Jacopo Galli, che fece da intermediario e garante in diverse commissioni legate a un gruppo di cardinali. Qui il cardinale venne effettivamente poi sepolto, facendo pensare che l’opera fosse originariamente destinata al suo monumento funebre. Nel 1497 Michelangelo ricevette un terzo dei cinquecento ducati pattuiti come anticipo per iniziare i lavori.

Analisi

David, armato di sassi, fissa l’avversario con un atteggiamento carico di tensione fisica e psicologica. il suo corpo appare immobile, ma pronto a scattare: Lo si percepisce dai dettagli anatomici che lo scultore riproduce con precisione, come il disegno dei muscoli tesi e quello delle vene in rilievo. Lo sguardo è concentrato e la fronte corrugata.

Alcuni differenze che ho trovato:

1- sono in posi diverse, il Doriforo è un miscuglio di movimento e rilassamento, invece David di Michelangelo sembra che stia per combattere.

2- Doriforo è meno realistico a mio parere dell’altra opera.

3- I capelli dell’opera di Michelangelo sono più scolpiti.

4- Le opere sono state fatte con materiali diversi cioè:

David= marmo a tutto tondo  Doriforo= marmo